咖啡公社2016

对伍迪艾伦来说，说个舅舅跟外甥同时爱上一个女人的故事，一点都不令人吃惊；毕竟他现在的妻子，就是他的养女，他从来没在care乱伦这件小事。 你可以不喜欢这个故事，但是对于一个电影热爱分子来说，对话才是伍迪老儿的精髓所在好吗！你想，一个专注话唠的导演，在对话和对话调度上没两把刷子，怎么行走江湖几十年？ 我知道有些同学一看到对话，就想到正反打。如果你对对话的了解，仅仅停在正反打上，那么你还只能算是影迷中的新手，下面看老司机给你叨叨，伍迪老儿是怎么拍对话的。 首先，正反打，不是你想用，想用就能用。 正反打有正反打的缺陷，使用过度会让人觉得刻板无趣。你可以想象一下，如果一部全程话唠的电影，两张大脸一直交替，是多么滴可怕。所以伍迪老儿只有在演员的情绪充沛，内心戏很足的时候，才用正反打。这个时候，观众会将注意力集中到角色的面部表情上，被演员的情绪带着走，正反打在表情达意上简洁与高效的优势才会显现。

▲这是男主对女主表白时，心情那个激动。。。 其次，双人镜头用好了也出彩。 双人镜头，一般都用来交代角色的空间位置，很少会长时间表现。一方面双人镜头构图太正，没有灵动感，另一方面又很考验演员的表演，因为这样就必须真的在对话，说话的和倾听的，都要有反应有表情。 跟正反打一样，伍迪老儿也是挑角色内心戏很足的时候采用双人镜头。但在这里，他想让观众同时看到，对话双方的情感错位造成的内心震荡，以及这种震荡在脸上的表现。 所以说，他的双人镜头用得恰到好处，观众不仅不会觉得构图呆板，还会主动去找自己的兴趣点。

▲这是菲尔（男主的舅舅）抛弃女主时的对话，在一个画框里我们既可以看到男主的痛苦，也可以看到女主的绝望，毕竟前一场戏女主推掉了男主的邀约，换上真丝的内衣。。。

▲舅舅跟侄子外甥吐露心声，讲述舍不得离开原配的痛苦，男主事不关己的表情，还不知道他舅舅的相好的，竟然是。。。

▲妻子宣布怀孕，妻子紧张与男主的激动。。。 第三，同时调度演员与摄影机，一个长镜头拍摄多人对话。 伍迪老儿最厉害的地方就在于此，比如男主妻子出场这一段。

▲先是前景两个男的聊。短发女子从左往人右横穿，景深处有一个白衣女子。

▲接着男主跟后面的短发女人聊。

▲短发女人走出画外，男主继续跟男配扯淡。

▲男主去倒酒，摄影机跟着男主移动到左边，带出短发女。男主还跟画外的男配继续聊着。

▲两个女人分别从不同方向走到了画面中央，男主跟他们说话。 这种对话方式，看起来很随便，镜头跟着男主走，顺便照顾到其他演员。他们一边瞎逼逼，一边建构起前后左右，画内画外的空间感，带给观众观影的真实感，一切都好像那么自然而然的发生，感觉拍电影很容易有没有？ 我个人特别喜欢的一段，是男主的姐姐和姐夫因为杀了邻居在家理论的这一段对话。

▲姐姐先从楼梯上下来，提示大家这是个真实的立体空间。

▲然后带出姐夫，闲聊到邻居。

▲大家看，聊天的过程中，我们跟着姐夫的视线，一起建构出了姐姐的家。

▲当姐夫知道他大舅子（黑社会）参与到他们家邻里矛盾之后，两人之间的张力出来了，于是出现了双人镜头。之前说到，只有戏够足的时候，才会出现双人镜头，不然很呆。

▲然后推近，让我们可以同时看到他们的面部表情，感受他们的矛盾。

▲杀人毕竟是犯法的，女人自知不对还是讲了一通看起来很有道理的道理之后，逃进厨房。摄影机沿着墙，追到厨房。

▲然后我们在听到姐夫的声音之后，姐夫也追到了厨房，出现在画面之中，又一次构成了双人镜头，两人互相指责，矛盾中。 正反打是将人物从背景环境中抽离出来，这段长镜头对话调度，却反向而为，把对话双方还原到环境之中来。所以，在这个对话调度中，我们首先看到的是一个真实的空间，随着对话双方矛盾的升级，镜头与角色越贴越近，镜头跟着角色的静止、运动而静止、运动。于是，镜头的远、近、动、静变化，形成一种令人舒服的节奏，把对话推向高潮。 总之，伍迪艾伦的镜头感是无与伦比的，他镜头中的对话，不仅仅只有对话，在讲述故事，建立人际关系之余，总能带给观众特别的感受，比如情绪的铺陈，空间的表现等等，真的值得我们爱好电影的同学好好钻研。 所以，每当我看到国产电影中动不动两个大头交叉出现在银幕上的时候，就替导演着急，明明是拍电视剧的好材料，何必要去拍电影呢？ 再会。 能够看完全文，可以加微信公众号了：电影拉片室。

当看到片尾男女主角在衣香鬟影的宴会上满目怅惘地思念彼此时，我脑海中第一想到的就是晏殊的这首词。酒筵歌席莫辞频，但他们真正想念的是远方的彼此，然而，却又依然陪在“眼前人”的身边。 选择在周末走进加州小城的影院观看这部电影，不得不承认海报起了很大的作用。再一看卡司，也十分好奇KS和布莱克这两个在我看来有些青春片的女主和文艺的伍迪艾伦能碰撞出什么样的火花。当然，我也确实没有失望。 故事的主线应当是纽约青年奋斗记以及四角的恋情。虽然这些剧情都有些狗血俗套，不过伍迪艾伦确实证明了，好的导演可以化腐朽为神奇。在3030年代好莱坞的慵懒与优雅中，在犹太家庭小短剧的轻松笑声中，观众们可以放松的，忘记道德批判的，不为人物命运揪心的，欣赏几位主角的互动。 KS出场时的蝴蝶结，讲真，一点都不适合她。虽然感觉她确实缺乏一种上世纪好莱坞的气质，但是不得不承认，她有一种独特的、可以称之为自由精神的魅力，即使是身着最繁琐的华服也掩盖不了。结尾她慵懒的dreamy eyes真的很戳人心。片中的她选择舅舅而非侄子，在我看来一是因为舅舅的功成名就之于侄子的一文不名；二是因为舅舅与她有更长的感情基础，相对来说比未知的纽约更好驾驭；三来，可能如同男主一样，女主本身也更爱洛杉矶的生活吧。 真正让我大跌眼镜的其实是舅舅的演员。之前看卡司没有注意到，但观影时尚未见面甫闻其声，我就发现这原来是美剧《办公室》（THE OFFICE）里那个有点神经质、总是找不着女朋友的超级奇葩的办公室经理。不得不说这两个角色反差实在有点大以至于我一直出戏。Steven自带的喜剧气质（长相、声音）让这个角色不是很有说服力，至少不太符合“成熟多金男士”的标准设定。 男主角确实演出了从拘束的毛头小子到从容的夜店经理的变化，面对两位女主的化学反应也有细微的不同：面对KS时拘束又莽撞的讨好，面对Blake时自信又强势的捕猎。其实很逗的一段是男主刚到LA时招妓的那一幕，两人唠唠叨叨的争吵，男主甚至还得安慰自尊心受到了打击的应召女郎，实在是很有意味。男主角一家的戏份也让电影平添了许多欢乐，妈妈对爸爸缺乏“犹太标配智慧”的嘲讽，姨夫对人理性的乐观，哥哥杀人抛尸时每每想起的轻松音乐，都让观影更具乐趣。 这是我第一次看伍迪艾伦的电影，除了上述之外有一点最深刻的感受，不知道其他人有没有同感：伍迪艾伦在电影中似乎刻意制造了一种距离感和不真实感，就是说，相比于让观影者靠近人物这样通常的做法，伍迪艾伦似乎是希望观众距离电影人物远一点，不要把自己的感情投放于人物。比如，男主到旧金山水土不服没人理的困窘，不但没有让观众感觉凄楚，反而马上被他招妓的搞笑故事逗乐了；男主哥哥被判死刑这样沉重的事，观众本提起的情绪下一秒却被男主妈妈“信基督还不如杀人”这样搞笑的话冲散了。这些都会让观众感受不到本来人物当时的情绪。还有，这部电影的时间线也让我感到不真实，按理来说男主回纽约开咖啡厅和遇到新女友奉子成婚应该需要一段不短的时间，但电影里好像过渡极快，让人颇觉恍惚。 事实上，我至今也不完全确定这种距离感究竟来自何处、意图如何，但这确实造就了一种不一样的观影趣味。在这部电影中，我似乎完全感受不到导演对于人物和人物感情发展的价值判断和情感倾向，也感受不到导演对于人物命运的担心。似乎导演只是在隔着雪茄的烟雾，玩味的观看着这一幕幕人间的悲喜剧，将这些人物的悲欢离合只当做自己手中的木偶戏。这给观众造成了同样的感受，使得我脱离了为人物担心、与人物共情的情绪，舒缓了情绪慢慢看事情会怎么发展，看完之后也完全不会对人物产生什么喜爱或者厌恶的情绪。这是一种新奇的体验，让我有点想起GOOD FELLA里不断响起的画外音造成的距离感，但又有不同。颇为有趣的导演。