七人乐队

洪金宝《练功》2分 我之前看到网上说，有些片段感觉在应付人，这个短片应该是其中之一。故事很简单，就是大师兄带着师弟师妹偷懒被发现，和其他学生偷懒很像。这个片段感觉很敷衍。 许鞍华《校长》5分 这应该是另外一个敷衍片段。故事内容单薄，最后强行渲染。 谭家明《别夜》8分 从这个片段开始我感觉没有那么敷衍。一对情侣分别前的一夜，我感觉拍得挺好的。就是结尾有些简单。 袁和平《回归》8.5分 我感觉这个片段拍的最好。爷孙间分别前其乐融融的样子很让人动容。 《遍地黄金》7.8分 一个很搞笑的片段，同时也是很现实的片段，把握不住时机就是这样。 《迷路》7.8分 上了年纪并且好久没在这座城市呆着的人，老时归乡就是这种感觉。 《深度谈话》7.8分 很荒诞的故事，令我不知道什么是真，什么是假。

戏里有话，徐克组团一起用菲林拍一部香港新浪潮电影，名字叫作《七人乐队》。

首先，什么是“菲林”。“菲林”即是胶片，英文film“电影”，音译也就是菲林。

在当时香港电影非常发达的时候，也刚好是菲林时代，基本上每一个香港新浪潮导演，都经历过这个时期。因为菲林价格昂贵，每一帧都是一笔花费，所以当时拍电影的时候，要一帧帧的计算，每一个镜头都不能浪费，这也大大提高了电影的质量。

但是因为菲林做不了多少特效，一切都需要真实拍摄。现在重新看回用菲林拍出来的电影，整个感觉非常的怀旧，这个怀旧是实实在在能体味的到的。

再是，什么是香港新浪潮电影，香港新浪潮电影的源起是一班在电视台出身的香港年轻导演各自开始拍摄风格新颖的电影。1979年是很重要的一年，涌现出章国明的《点指兵兵》、徐克的《蝶变》、许鞍华的《疯劫》和翁维铨的《行规》。

《疯劫》许鞍华

20世纪80年代初的香港电影出现了一个并不新的“新浪潮”这个词。所谓并不“新”，是因为这个词早在1960年代在欧洲的法国便出现了，并影响了整个电影文化。香港电影没有法国电影那么“伟大”，未有去到影响“整个人类电影”境地，但是对亚太地区的电影而言，却甚具影响力。

法国新浪潮

放在亚太电影方位来说，香港电影新浪潮至少在中国人电影处于上世纪同一八十年代起着先锋作用——于香港新浪潮稍后才出现的台湾“新电影”和大陆电影的“第五代”。像是一次历史巧合，更像是一次上天的安排，在两岸三地战后婴儿潮中同时诞生了这一批电影新锐：徐克们、侯孝贤们、张艺谋们。

所以其实香港新浪潮电影对现在的电影文化影响还是甚大的，这一部电影的八位导演徐克、洪金宝、许鞍华、谭家明、袁和平、杜琪峰、林岭东，包括吴宇森都是香港新浪潮电影的代表电影人，他们对香港新浪潮电影都作出了很大的贡献。这一次他们回归初心，再一次拍出那种先锋感、实验感，可以说是一个香港新浪潮电影给出来的答案，一个缩影。让我们观众在浮躁的时期，静下心来，去回味那个充满电影魅力的香港新浪潮时期。

在2022年，这一个电影业并不景气的时候，香港影迷们和七位导演一起来回一场如一缕青烟般的文艺复兴，怀旧一下香港电影，追念一下曾经的香港。这真的是太浪漫了。

已经记不得听说《八部半》开始筹划的时候距今已有多少年。那个时候的我，还不知道杜琪峰、林岭东是干啥的，认为徐克就是拍狄仁杰的，谭家明仿佛是个历史遗迹。

《练功》

看了三分钟能明显感到，《练功》就是拍练功。武师是香港电影全盛时期的中坚力量。现如今港片巅峰已过，武师日渐衰落，戏班的培养方式也不再为现代教育所接受。七小福的大哥洪金宝，对造就其辉煌的戏班生活，自然是一片深情，甚至过度美化。他不厌其烦的用各种俯拍和镜头运动来将他作为导演的眼睛与摄影机之眼同化，回望他的练功生涯。摄影机变成了他自己回顾人生的工具，而同时，他又反复展现戏班练功的情景，这又是他作为讲述者最简单的表达：让观众看他当年是如何练功的。一方面是极具个人情怀的回忆，另一方面又是面对观众的讲述，前者力图个性化，后者需要保持客观，两者的不兼容将短片变得索然无味，但或许这又是这部电影的一个注解：好像真的没什么限制，想拍点啥就拍点啥。

《校长》

真的无聊。

《别夜》

似乎提到谭家明，就要左手拿着戈达尔，右手捏着王家卫。或许《别夜》与早期戈达尔的最大差别，就是少了一个男人。色彩组合、跳切、情侣念书的情节、对话的人物姿态和调度、打乱行动顺序的剪辑方式，都透着戈达尔的影子。然而在戈达尔式风格之外，谭家明又在其中加入了被王家卫发扬光大的情绪表现方式。在《杀手蝴蝶梦》中，酒吧中王祖贤的父亲遭人羞辱，想要去找王祖贤的梁朝伟，望见王祖贤正在为讨人欢心卖力唱歌，忍住独自处理。两人都困在自己所处的情境中，而他们之间的话语联系又被阻断，只能在无力的目光下，任由情绪在空间中四处蔓延。类似的情境在王家卫的电影中反复出现，而在余雁飞和叶嘉琳面对别夜的无解时刻时，叶嘉琳坐在床头，余雁飞倚在窗前，类似的情境又复现出来。有趣的是，余雁飞不失尴尬的从窗前坐到了旁边的椅子上，一种行动是无效失能，使情绪更为浓重。略显遗憾的是，余雁飞最终还是不失俗套地将叶嘉琳拥入怀中。但又惊喜的是，余雁飞和叶嘉琳的身份发生了倒转，从叶嘉琳要出走，变成了叶嘉琳在挽留。在互相经验了对方所处的情境（甚至是不约而同的想到死亡）后，二者终于通过由情境的平衡转向身体的媾和，谭家明由此将性，赋予了一重新的含义。

《回归》

波德维尔曾表示，香港电影的一大特点，就是它并不拿好莱坞奉之圭臬的人物弧线太当回事。香港少见的在剧作上偏好此道的吴宇森早已因身体原因退出拍摄。在好莱坞风生水起的成龙，也一度有这种倾向。然而香港电影并不擅于通过环境和人物的互动，来表现人物所谓的本性如何一步步发生变化。仍然是《杀手蝴蝶梦》的例子，钟镇涛和王祖贤可以在十年中发生翻天覆地的变化，钟镇涛摇身一变成为顶级杀手，而王祖贤则成为江湖大姐。两人十年间发生巨大转变的过程，被全盘忽略，仅由字幕提示就将十年一笔带过。在香港电影中更为关注不变，而非变化。有时是极端化的人物性格，疯癫式的人物形象最为明显，有时则是人物之间恒久不变的情感关系。元华与孙女的互动，是在一种祖孙之间的情感纽带中展开，而并不是中西文化上的彼此感召。事实上，为防身用的中国功夫并未加深孙女对中国的身份认同，元华学习英文更是早已失败告终。孙女一家在三年后的突然回归，是家庭亲情纽带的另一种呈现方式。尽管在香港这座城市，中国与英美的不同地域指向常常被赋予更为复杂的含义，而在《回归》中却抛弃复杂的意识形态表达，将地域选择、文化妥协转化为亲情的展现方式。武指半生的袁和平，用香港电影的方式，包装出一部亲情短片。

《遍地黄金》

杜琪峰对香港城市空间的展现，总有一些与众不同的方式。他总能在逼仄拥挤的香港城市里制造空间上的反差。他倾向用广角镜头拍摄街角，就连《柔道龙虎榜》中元华发传单的地方，都是十字路口。在《三人行》中，他也用空间的分隔和景深，扩大大空间容量。同时，他对防疫安全距离式站位的偏好，同样可以放大空间效果。然而在《遍地黄金》中，他反而不再试图制造空间反差，而通过近景特写，密集的餐馆座位，来制造空间的紧张。而短片结尾处，三人的分离，更是加入了方向，来强烈指示三人将走向不同的人生道路。不少人难免会将《遍地黄金》和夺命金进行比较，他们都同时指向金融市场乃至世界的无常。如果说长片中，金融市场存在于不同的场景，银行，ktv，交易所，不同的媒介：电脑，电视直播，而在这部短片里，复杂的金融市场被简单化约为参观中不断出现在话语中的数字和旁白电脑显示屏。而对无常数字的极致追求和对眼前吃饭的无视构成了杜琪峰对人物愈加偏好的戏谑嘲讽。

《迷路》

此片最独特之处在于呈现了不同时代对地点的感知方式，而现代生活在导航指引下变得目的性极强，而任达华之死则是现代城市的难以预知的凶险。

《深度对话》

在华语电影里应该还算新鲜，它呈现出人物同时处于观看/被观看的叠加状态，而又将这种状态指向电影与观众之间的关系。

其他

越写越潦草，想睡觉，不写完又睡不着。电影的主题曲叫《Long Long Ago》，看到这个标题，总会想到星战的开场，很久很久以前所指代的无非是一个高度架空的故事背景。而在这部电影里，无非是从上世纪中后期开始拍起，而除了《深度对话》外，都力图贴近不同时代的风貌。但仔细一想，不论是合拍片大行其道前的香港电影还是近三年剧变前的香港，都仿佛离现今很远。时间并非是一个数量上的概念。看这部电影，难免和我们印象中全盛时期或者说八九十年代的香港电影发生情感上的关系。除杜琪峰外，这几乎也是这些导演最为重要的时期。那一时期的香港电影，仿佛离现在已经很远。这并不是说所谓香港电影到底死没死的老命题，这就好比，旧好莱坞没了但好莱坞没死球。电影不过百余年的历史，哪怕是十年，都仿佛是很长很长。而现实或许比电影变得还快，短短三年，一座城市就可以突然死气沉沉。在一日不如一日的时期，每每回首哪怕是前一年，都可算是Long Long Ago了。

洪金宝《练功》65分/100分 情绪用动作而不是对白来展现，节奏很欢快讨喜，作为第一个短片能一下子吸引观众的注意力和好奇心，一下子回到曾经香港电影动作片时代的辉煌。（不过这个很像影视学院的毕业设计。。）

许鞍华《校长》 60分/100分 只能说中规中矩吧。。。校长和女老师关爱学生，学生长大后去看望和祭奠老师，虽然情感很真挚，但是看的还是有点尴尬，我后面思考这种尴尬感是从何而来，可能是剧情过于老套，看到了开头就能猜到结尾。（P.S感觉校长和女老师之间是有一点暧昧而意难平的情愫？？）

谭家明《别夜》 65分/100分 经历过类似的事情，对这个故事很能感同身受，演员们的表演没话说，情绪确实表达得很到位。俩人的极致拉扯很纠结，明明相爱，又偏偏用自己的语言和行为去伤害对方，在伤害的过程又表达出情爱，看的我有点憋屈。。。两个人在房间里面读诗，中英文夹杂的时候，那个场面让我想起来学校搞的诗朗诵活动。。。

袁和平《回归》65分/100分 爷爷和孙女之间的互动很有趣，就是后面我有一个疑问，经常锻炼身体并且长期习武的爷爷为什么仅仅过了三年，身体就坏成这个样子了？

杜琪峰《遍地黄金》80分/100分 观影之前听说这是拍的最好的短片，对它有很高的期待，它确实在七个部分中算是不错的了，因为其他很多短片的故事，把它换一个年代，换一个地点，它其实也能发生，并没有太强的时代性。但是杜捕捉到这个时代最代表性的符号是什么，把它强调和放大，《遍地黄金》的时代感就特别强，以小见大的功力深厚，非常能反映出来千禧年代人们的精神状态。

林岭东《迷路》75分/100分 父亲用旧时的回忆和今日香港的场景进行对比，迷失在街头时的几个镜头代入感十足，可以说是第一视角沉浸式体验迷路感。。。 父亲赶路遇到了车，下一个镜头就是帽子飞起来，我当时还以为父亲被车创死了。。。 旧的地方在拆除，新的场景在重建，旧与新之间的变迁给故事带来张力，《迷路》是七个短片中反思性最强的作品。

徐克《深度对话》70分/100分 说实话，前面病人和精神病医生的对话我感觉很吵，有点聒噪了，也不是很能get到笑点。。。后面医生和病人的身份发生对调时我感觉这个故事有点意思了，再后面出现了两个观察者，剧情又发生了反转，这个像套娃一样的结构开始让我感到惊艳，很不错的鬼才作品。

首先，不得不感慨排片的惨淡。学校电影院曾经排了一场，可能因为无人购票而换成了沈腾的新电影，我跑到外面电影院看，整个场加上我也只有三个人。不过观后体验而言，确实也不太适合对港片无甚了解的大多数观众，毕竟几个故事的主基调就是怀旧，如果你对那个旧东西都不太了解，肯定会觉得没意思。

对于这种多位导演合作的作品，虽然被同一个主题引领，但是由于各位导演的风格惯性和每part故事的完整性，观众的观影体验要经受极大的考验，在本片，许鞍华的部分因此在我看来是极为灾难的。杜琪峰召集的合拍片，《铁三角》的各自为战在前，这部我其实不该抱太多期待，再者致敬胶片才是所谓的主题。从五十年代开始，每人领衔一个十年，直到徐克的未来结束，胶片时代、港片时代、港城本身的兴盛与衰败，尽收眼底。

第一段上来是洪金宝的《练功》，一个中规中矩的段落，把它看成武师自传就好了，不应该对故事的苍白和工整太过苛责，因为这就是洪金宝的私人记忆。如果对香港武师感兴趣，可以去看一部《龙虎武师》。“一将功成万骨枯”的故事，在群体叙事里才会被揭开，它曾经的荣光下，是不断挑战身体极限的残酷竞争，是今朝有酒今朝醉的年轻意气。

许鞍华的《校长》。唉，如果说电影其实就是冰山一角，那么导演就是在用剧情、台词、画面展示他想让我们看到的东西，引导观众顺着线索去思考，在脑中尽量还原出导演藏起来的整座冰山，。许鞍华的冰山总是很细腻很丰富的，但是Ann用大段大段的无深度对白企图把冰山露出来的那一角快点搭起来，再搭配她一贯的平实镜头，对准那碗白饭，那朵花，小孩搬来的那块挡板，校长再念两句诗，熟悉她的人都知道这是她的经典法宝。整部戏在呈现上像是破产版的《男人四十》，只有十几分钟的篇幅，深度和广度不能兼得。导致我都到了下一part，还得回味她的部分，也没回味出什么。另外，吴镇宇的校长往讲台上一站那段，是不是在致敬麦兜呢？把声和姿态都好像黄秋生。

谭家明，香港新浪潮主将，《别夜》这个故事我觉得是拍的最好最用心的，这位新浪潮老炮的技艺已经炉火纯青。两个人，一间漆成绿色的空客厅，一间突兀的粉色系卧室，创造出一种舞台剧的紧张气氛，从许鞍华的松散里让人一震。念诗、争吵、拍照、性爱，围绕着两个人的纠葛，一次次把氛围推向高潮，仅有从封闭空间解脱出来的空间竟然是天台，男生最后走上天台，结束处后退的街景镜头传来凄厉急促的救护车笛声。整个part都是离开者歇斯底里发泄自己的恐惧和不舍，殊不知，留低的人才是最心痛，“今夜最冷已是我心间”，隐忍但却绝望，别夜在即，我早已决定不再苟活。这个故事实在是太美太棒了，胶片的质感也体现的很好。简单，决绝，猛烈，其中的隐喻，尽在不言中。

两首插曲用的很棒，一首是甄楚倩的《深夜港湾》，一首是张伟文的《别了，亲人》。

袁和平《回归》，没什么好说的，亲情是未来最后的底牌。理解是互相的，如果你一直坚持肠粉比汉堡好吃，你的东西对他的东西错，那未来只会更加隔阂。

杜琪峰的《遍地黄金》以小见大，在这次命题作文中别出心裁，杜琪峰说自己拍电影完全靠灵感，从这个小故事就可见一斑，他总能拿出新东西，而不太拘泥于自己的传统。一开始我以为这一切仅仅只是个开始，没想到杜sir确实只讲这么多，点到为止。股市风云、SARS冲击，在乐心冰室一间小小的茶餐厅上演，而且这次杜sir基调是有点乐观的，跟《夺命金》完全反着。变化是必然的，“我们是否太过于恐惧？”即使次贷又如何？再过十年，恒生指数又是一条好汉！杜琪峰想用之前几次困难的安然度过，劝说我们相信“明天会更好”。他骨子里对香港是真爱。这种人，在大家垂头丧气的时候，他总是会给你慰藉和希望，《柔道龙虎榜》在前，《遍地黄金》在后。香港有他，真好。

林岭东《迷路》：在最后徐克的《深度对话》中，“精神病”说“杜琪峰和林岭东是同一个人”，我个人猜测是不是这part对任达华的使用太杜琪峰了哈哈：徕卡相机往前面一挂，西装外套往身上一穿，这不是《文雀》吗？故居岸边钓鱼，这个取景也太《黑社会》了，乐哥您自己钓鱼只带鸭舌帽不戴头盔吗？任达华在找寻往日的建筑，我们坐在电影院里在找寻什么呢？走出电影院，满街的人啊，车啊，我感到和他一样的迷惘无措。林岭东我实在不了解，这个岁月静好的取向我也摸不着头脑。任达华还来了一句“年轻人，世界未来是你们的，由你们话事”，当年吉米仔差点信了，我们该不该信呢？

徐克《深度对话》。一扫前面六人的怀旧基调，徐克把观众带到了科技高度发达的未来时代，精神病院开发出了病人和医生身份互换的新玩法。病人、医生、病人、医生、导演、观众，高频率的身份反转颠覆，不仅仅是港片中经典的身份认同模糊的调子，这个故事是非常福柯、非常后现代的：时空是无法定位的，是2046？还是2122?一个坚固的逻各斯中心被解构了，到底是医生在治病人，还是病人在治医生？是观众在电影院看导演的电影，还是导演躲在那个方框后面窥探众生？他者形象再也不是福柯式的权力斗争的失败者，再也不是作为话语体系中心的陪衬出现。在后现代，病人与医生平起平坐，导演与观众讨论文本，疯癫与理性沟通对话。以现在为界线，过去和未来只是一张被我们折起来的纸。过去可有定论？未来更是无限未知。徐克把我们抛掷入一个没有希望但是又满是希望的时空。立意是最取巧的，怀旧方式是最fashion的。

“断肠字点点，风雨声连连，似是故人来。”伴着梅艳芳《似是故人来》敲完最后一段，都忘记自己写了些什么。不吐不快，一吐为快，醒后归去罢。

1. 杜琪峰用了两首老歌的吉他演奏曲：非典期间平均呎價跌至谷底，冰室外一幕对应了“風仿佛在夢中輕嘆 路和人茫茫”；到了《似是故人來》的过门一句“俗塵渺渺 天意茫茫 將你共我分開” 接的是08次按危机恒指的十年起落。看似命定的“错买也中”起因实际是服务员一句：自己寫 number 啦！从“我们是不是太恐惧”变成了“贪婪变恐惧”。 拍摄时候还没有这一两年的疫情变动，可大家看到冰室外老板娘拒绝一家人何其相似 2020 那些被拒之门外的武汉人或者后来高风险地区的他者。这种超出意料的宿命感就如同最后三份送错的餐，错愕又不知如何处理，仿佛吃了就会让刚刚到手的命金消散。

2. 谭家明的标题 Tender Is the Night 我下意识当成是 blur ，自然而然想到“分手”的主题，可后来看时代对应的可能是 Fitzgerald 或男主读过的济慈《夜莺颂》。前路未知和时局变动下被迫分离，甄楚倩的《深夜港灣》歌词里与方思長詩〈豎琴與長笛〉喃喃读出的都是心理外化。人去屋空，墙上仅剩一张当初的《呼啸山庄》“你的第一次”与“我的最后一次”各有表意，也可以呼应 mla 的〈美麗新香港〉。结尾 credits 里可以看出全片除了邓晓岚，谭包揽了故事人物、音乐编排、剪辑匹配等等，保证了全部的作者中心。听说他是七人中唯一超额使用菲林的，可以理解成对两位演员互动的呼吸感与场景设置的意象化要求极高，反复打磨找寻最佳一条的缘故。我自己觉得谭更适合抽掉所有的现场角色对白，声画异步，依托剪辑与画外音做出另一条时间叙述线，交替互文更好。

3. 林岭东的遗作半成品里人物注脚给得尤其丰富。任达华的青少年时期也向往过英美流行文化，和当年的父亲在远望大会堂时，也用拍照的介质变革表明自己支持的态度。后面父亲遗照下，自责反思对儿子的苛责态度。虽然早已移居英国，可保有过年回家乡小村落老屋守岁的传统，依旧是火爆脾气的港岛村落顽固老头，哪怕脏话只能内心骂骂。香港地标建筑迭代更新，早已不熟识，出租车上是 WeChat Pay 的广告，问路指路的语言再不是单一的粤语：有的不愿停下回应问路，有的回应是普通话，有的指点发问英文，这一切就停在了一次“狗血”的意外车祸那，任达华也就像导航指针在方寸内无头无序摇摆，永远停留在“可以买，可以卖，不能抽”的故土上。

4. 许鞍华对开启自己文学爱好的女老师追忆，那个时代的很多光和影都有雕刻，“昙花一现”既是心语也是实情，糖水铺一幕学生可爱细腻，多年后聚餐时，镜头焦点从校长的脸渐渐模糊黯淡转移前景更是心情写照，墓碑上的祖籍番禺也是那个时代的特点；洪金宝对武行练功疤痕的烙印，儿子演师父肃穆严厉，不过结尾一镜里的金链子有点儿出戏；袁和平对回归后三年的祖孙心态对调设计，宝塔糖也能治好 97+3 的千年虫；徐克的玩心与鬼马点子，搞不清是世界的病症还是自己的妄想

总体还是诸位功成名就的老人怀旧。他们当然可以缅怀，尊重这门手艺，可今时今日却没人在意年轻一代抗争什么，所求为何。 這世界也不是我的地頭，就當我在宇宙飄流。